1. L’aperçu historique qui précède est purement extrinsèque. S’il ne qualifie donc pas la musique rock formellement, il en donne néanmoins, par les causes efficiente et finale, un contexte qui ne trompe pas. L’émergence de cette musique, son contexte social, les revendications dont elle se réclame, les thèmes fréquemment abordés, la vie peu édifiante des compositeurs, la liesse hystérique des foules, l’évolution sous forme d’appauvrissement de ce genre musical, voilà autant d’indices convergents qui permettent déjà de formuler un jugement critique et fondé sur cette musique.

2. Certes, une telle étude est loin d’être suffisante. Il faut désormais se tourner vers la nature même de ce courant musical et l’analyser intrinsèquement. Cela nous oblige dans un premier temps à parler de la musique en général et de ses composantes sonores. Nous étudierons ensuite ces différentes données telles qu’elles se retrouvent dans le rock et autres musiques du genre. La conclusion devrait alors découler.

3. La musique est l’art de combiner les sons. Autrement dit, la matière même de la musique est le son. Le son musical peut être purement sensible, il est alors produit par un ou plusieurs instruments, produits du génie humain. Il s’agit alors de ce que l’on entend dans les concertos, les symphonies, et autres genres musicaux.

En plus d’être sensible, le son musical peut être articulé. La musique devient alors vocale et tout l’art sensible est au service de la parole intelligible : elle signifie quelque chose et livre une pensée ou transmet un message. Dans ce cas, l’instrument par excellence est la voix humaine, certainement le plus riche et le plus beau des instruments qui existent sur terre.

Paroles et orchestre

4. Le premier élément à considérer dans la musique dite rock, ce sont donc les instruments : les paroles d’une part, puis la masse orchestrale d’autre part.

5. Il est inutile de s’attarder sur les techniques vocales modernes et contemporaines. Au-delà de ce qu’il y a de propre et de riche dans chaque voix individuelle, on constate que, très souvent, le texte est davantage crié que chanté. Le son, poussé à l’extrême, fatigue non seulement la voix du chanteur, mais aussi l’oreille de l’auditeur. On y trouve difficilement le calme et la maîtrise de soi qui devraient être l’apanage de tout artiste qui maîtrise son art.

6. Ce sont surtout les paroles sur lesquelles il convient de s’arrêter. L’histoire du rock l’a déjà montré, les paroles sont bien souvent revendicatives, appelant à une plus grande liberté et faisant la promotion de ce qui est immoral.

Certains oseront objecter que la plupart du temps les paroles sont en anglais. La langue étant incompréhensible pour beaucoup, la musique serait donc sans danger. Et de prendre appui sur le latin, que, à l’Eglise, beaucoup ne comprennent pas.

Il faut répondre tout d’abord que la compréhension ou l’incompréhension des paroles ne change rien au texte ni au sens du texte. Adhérer à un texte que l’on ne comprend pas c’est vouloir adhérer à la signification du texte quelle qu’elle soit. Ou alors cela n’a pas de sens.

D’autre part, les textes latins de la liturgie de l’Eglise sont sanctionnés par l’autorité suprême et celle-ci veille à l’orthodoxie des paroles, de sorte qu’elles aient la capacité de véritablement sanctifier. C’est ainsi que, si les fidèles adhèrent aux textes liturgiques, sans nécessairement comprendre toute leur signification, ils savent néanmoins que ces paroles expriment leur sanctification et la gloire de Dieu.

On ne peut en dire autant des paroles chantées les musiques rock.

7. Vient aussi à se poser l’éventualité de messages subliminaux. Deux points sont à considérer : l’existence et l’effet.

L’existence des messages dits subliminaux est indéniable ; mais la réalité d’effets produits par ces messages est problématique. Il y a toujours eu des réalités qui échappent à notre connaissance directe. En musique, on parle de message subliminal pour désigner en premier lieu des sons inaudibles à l’oreille mais pourtant perçus par le cerveau.

En second lieu, on parle aussi et surtout de message subliminal à propos de la musique rock, lorsqu’il s’agit de paroles enregistrées à l’envers. La technique consiste à passer le disque en sens inverse pour percevoir le message.

Le procédé a été découvert par John Lennon lors de l’enregistrement de sa chanson Rain. On retrouve quelques messages de ce genre dans Révolution n°9 et So tired des Beatles. D’autres auteurs semblent utiliser eux aussi le procédé.

Quoi qu’il en soit de cette technique, dont l’existence ne fait aucun doute, il est difficile de lui attribuer une valeur néfaste et un effet psychologique réel sur l’auditeur, puisqu’une phrase prononcée à l’envers, si elle est certainement audible, n’en demeure pas moins incompréhensible.

De toute façon, à partir des années 80, ces messages subliminaux ne sont plus nécessaires : ils ont été banalisés et sont désormais prononcés « à l’endroit » sans plus choquer.

8. Quant à la masse orchestrale, elle subit avec le rock une véritable régression. La musique dite classique s’était développée au point de rendre les orchestres de plus en plus imposants. La musique de chambre, au XVII° siècle, ne comportait que quelques instrumentistes. Au XIX° puis au XX° siècle, il faut au moins quatre-vingts artistes pour composer l’orchestre symphonique.

L’arrivée du rock réduit considérablement ces effectifs. Une ou deux guitares électriques, une guitare basse, un synthétiseur et une batterie sont désormais suffisants. La nouveauté réside dans l’électrification de ces instruments, procédé qui a « l’art » de dénaturer complètement le son en sorte qu’il n’aura plus grand chose de naturel.

La révolution est de taille puisque, si l’art imite la nature selon le mot célèbre de Sénèque, en revanche, dans les techniques modernes, l’art n’imite plus du tout la nature ; il en prend le contre-pied radical.

Le son lui-même

9. En effet, la musique a pour objet le son. Physiquement, un son est une vibration représentée par une courbe plus ou moins sinusoïdale. Trois composantes le caractérisent : sa fréquence, son amplitude et son timbre.

10. La fréquence d’un son est une courbe qui se répète plus ou moins souvent dans un temps donné. Exprimée en Hertz, elle signifie le nombre de répétition de cette courbe par secondes. Plus la fréquence est élevée, plus le son est aigu. Inversement, un son plus grave donnera une fréquence plus petite. Certaines fréquences sont inaudibles à l’oreille humaine (ultra-sons et infra-sons).

De nombreuses études à la fin du XX° siècle ont montré l’influence et l’importance des différentes fréquences tant sur le corps et ses organes que sur l’âme. Mais pour l’instant, il est difficile d’en conclure quelque chose par rapport au rock.

Certaines études révèlent l’impact des basses fréquences sur le plaisir, le mouvement et la stimulation psychologique ainsi que sur la dépossession de soi au profit d’un lien social. Catherine Guastavino, dans sa thèse de doctorat cite Marc Touché, un sociologue du centre d’ethnologie de Paris, faut la remarque suivante :

« Marc Touché considère également que les basses fréquences jouent un rôle de lien social par la dépossession de soi au profit d’un magma sonore enveloppant le groupe : ”les basses fréquences unissent les cœurs dans un même brouillard.” »

11. La deuxième composante d’un son est son amplitude. Physiquement, elle est représentée par la hauteur de la courbe et exprime la force du son. On l’appelle aussi le niveau sonore. Ce dernier est directement lié à la pression de l’air (le milieu acoustique), pression qui se transmet jusqu’à atteindre l’oreille. L’amplitude est calculée en décibel. Le limite à ne pas dépasser pour l’oreille humaine (on l’appelle aussi le seuil de danger) est entre 85 et 90 décibels. Au-delà, on peut s’exposer à des dégradations irréversibles de l’audition.

La musique rock branche fréquemment ses instruments sur des enceintes afin d’amplifier le son, chose qui n’existe pas en musique classique. Un concert rock a un niveau sonore d’au moins 95 décibels, mais habituellement supérieur à 100 décibels, ce qui représente le bruit d’un marteau piqueur… Par comparaison, une conversation normale se situe à 40 décibels et une musique douce à 50 décibels. D’ailleurs, il n’est pas rare de voir les jeunes se rendre à un concert rock avec leur boules quies…

12. Enfin, la dernière caractéristique physique du son est ce que l’on appelle le timbre. Celui-ci une notion assez complexe à définir. On pourrait dire du timbre qu’il définit la qualité d’un son. En réalité il en exprime toute la richesse. Il est propre à chaque instrument, à chaque voix. C’est ainsi que pour une même note jouée, on distingue un instrument d’un autre. La même note provenant d’une trompette et d’une flute à bec peut avoir la même fréquence, la même amplitude, et pourtant elles sont très distinctes à l’oreille. C’est le timbre qui les différencie.

Le timbre est pour ainsi dire la couleur d’un son, ou encore sa richesse harmonique. Une note jouée se définit par une fréquence, mais en réalité, cette fréquence n’est pas unique. Elle développe d’autres fréquences ou vibrations moins audibles, plus inaperçues et que l’on appelle des harmoniques.

Par exemple, lorsqu’un pianiste joue une note, le marteau touche les cordes de la note qui se mettent à vibrer. Ces vibrations vont à leur tour faire vibrer d’autres cordes du piano, et, même si ces vibrations restent parfois imperceptible à l’oreille, elles vont enrichir la première note. Cette richesse du son lui donne une profondeur, une couleur, une densité qui caractérise chaque instrument ou chaque voix.

13. Par les différentes expériences et travaux réalisés en studio, le timbre dans la musique rock a perdu de sa profondeur, de sa richesse et surtout de sa « naturalité ». C’est d’autant plus patent que cette musique moderne utilise des instruments électrifiés, passant par des micros, reliés à des enceintes. Il y a dès lors une perte de qualité sonore.

Certains procédés vont même jusqu’à assécher le son de ses harmoniques et recréer un écho par mixage. On place par exemple des triggers sur les peaux des percussions afin de retoucher le son et de se rendre artificiel. Il y a aussi beaucoup de retouches en studio et d’expérimentation sur les sons avant de publier les albums.

Dans tous ces cas l’artificiel dénature totalement le son naturel. La richesse d’un son n’existe plus et la musique en est d’autant appauvrie. C’est aussi la raison pour laquelle certains sons peuvent désormais être qualifiés de bruit et engendrer des nuisances sonores.

La musique

14. La musique est un art de mouvement qui se déroule et se meut dans le temps. Le son peut alors être considéré non plus en lui-même, mais dans son rapport à l’art. La musique possède alors trois caractéristiques : la mélodie (évolution du son dans le temps), l’harmonie (rapport des sons dans un instant) et rythme (organisation de la mélodie).

La richesse de la musique vient de la combinaison de ses trois composantes. C’est ce qu’il nous faut désormais étudier.

15. La mélodie est la succession des notes dans le temps. Pour être digne de ce nom, elle est censée former un air, plus ou moins complexe, plus ou moins facile à retenir. Elle n’est donc pas simple juxtaposition des notes les unes à la suite des autres. Elle doit réaliser une unité (unité d’ailleurs que seule l’intelligence est capable de percevoir).

La mélodie est ainsi à la musique ce que la représentation ou l’image est à la peinture. Elle est évocatrice. C’est aussi parce que la mélodie est perçue par l’intelligence qu’elle est le support des paroles, tout comme la poésie est une forme de musique littéraire.

C’est la raison pour laquelle elle est supérieure aux deux autres composantes que sont l’harmonie et le rythme : ceux-ci sont au service de celle-là. On dit souvent que perfection mélodique et maturité culturelle vont de pair.

16. Il est difficile de se le dissimuler : la mélodie des musiques rock est très souvent d’une pauvreté telle que l’intelligence elle-même n’est souvent plus nécessaire pour en saisir l’unité. On ne peut plus dire que ces musiques sont « chantantes », quand bien même elles sont entraînantes, mais à cause du rythme.

Mais le désordre vient surtout de ce que l’harmonie et le rythme ne sont plus au service de la mélodie lorsqu’elle existe. Désormais, ce sont ces deux dernières composantes qui dominent et ce désordre est d’autant plus grave que l’harmonie a des effets directs sur la sensibilité et le rythme sur le corps.

Autrement dit, cette inversion (qui est une révolution) consiste à ne plus soumettre les éléments sensibles et corporels à l’intelligence, ou plutôt à ôter à l’intelligence son pouvoir et sa domination sur le concupiscible et le corps.

17. L’harmonie consiste dans le rapport instantané des sons entre eux. On la réduit habituellement à la notion d’accords bien que l’harmonie comprenne plus qu’un simple accord.

On pourrait la comparer en peinture à l’agencement des couleurs. Il y a un art des couleurs et une splendeur de la forme que donnent les couleurs à la représentation picturale.

De la même façon, il y a un art et des règles d’accords fondé sur la science des harmoniques, comme il y a des accords qui choquent harmoniquement.

18. Dans le rock, outre que l’harmonie est assez pauvre, elle abuse du triton, des septièmes et des neuvièmes.

Les changements harmoniques et modaux sont extrêmement surprenants et peu conformes aux canons de l’orthodoxie musicale.

De ce fait, la musique devient plus lascive, sensuelle, et rend la sensibilité de l’homme plus indépendante de son intelligence.

En réalité, ce n’est pas tant la présence de ces accords que la redondance et l’abus de ces harmonies qui pose problème, du fait que c’est l’harmonie qui flatte la sensibilité.

19. Reste à parler du rythme. Cette dernière notion est délicate et difficile précisément à cause des déviances modernes.

Le rythme est, selon Platon, l’ordonnance du mouvement.

L’ordre dit ici deux choses : la première consiste à mettre chaque élément à sa place, la seconde de les diriger vers leur fin.

Autrement dit, le rythme est la marque de l’intelligence mise dans la matière musicale pour en faire un tout ordonné et non anarchique.

20. Le premier ordre à considérer, et le plus facile à comprendre, est celui qui se tire de la fin.

La musique est un art de mouvement. Or la fin du mouvement, c’est le repos.

Le compositeur ordonne toute sa partition vers ce repos, un peu comme l’orateur ou l’écrivain ordonne son discours vers une conclusion, vérité en laquelle se repose l’intelligence.

Le « repos » entendu ainsi au sens de l’aboutissement d’un mouvement s’enrichit alors d’un deuxième sens qui est celui de l’apaisement des facultés psychologiques (sensibilité et intelligence) de l’auditeur, qui éprouvent du plaisir à percevoir cet aboutissement.

Il est indéniable que le rock n’ordonne pas au repos, pris en ce deuxième sens.

Les témoignages sont nombreux, mais les faits sont encore plus patents : il n’est pas possible de sortir d’une écoute musicale de rock en se sentant reposé.

Bien au contraire, l’âme est en ébullition, la sensibilité est émoussée, et le corps lui-même est énervé au sens physique du terme.

De ce seul fait, le rock manque d’intelligence, autrement dit de rythme.

21. Cette dernière phrase pourra sembler paradoxale à ceux qui ont pris l’habitude de considérer le rock comme une musique extrêmement rythmique.

Mais cette considération est fausse, si l’on donne au rythme son sens noble et vrai.

Elle est vraie, seulement si l’on entend le rythme au sens modernisé et finalement déficient du terme.

Le deuxième rôle du rythme est en effet de mettre chaque élément à sa place.

Un mot latin par exemple a un accent tonique qui fait l’âme du mot et les autres syllabes lui sont ordonnées comme un élan et un repos.

C’est le rythme du mot.

Dans une plus grande structure (phrase, texte, mais aussi en musique), on l’appelle le phrasé.

Il constitue un ensemble de variation (fort/doux, lent/rapide, aigu/grave) qui bien agencé donne un mouvement, une forme et d’une certaine façon une signification à la musique.

Hélas, avec la dénaturation de la musique (comme on le voit dans ce qu’il est convenu d’appeler la « métronomisation » de la polyphonie notamment) le rythme est devenu avec le temps une notion mathématique.

La musique rock a accentué le fait de cette rigidité par un battement (souvent appelé beat) qui a pris le pas sur tout le reste.

La prédominance de ce « rythme » a réduit la notion d’ordre à une simple répétition d’un son frappé plus fort que tout le reste.

Ce n’est plus à proprement parler du rythme.

C’est un martèlement douloureux d’un même bruit que l’on pourrait comparer au supplice de la goutte d’eau.

22. Les effets néfastes sont faciles à observer.

Le son est frappé, cogné, claqué.

On peut d’ailleurs voir les contrebassistes frapper presque férocement leurs cordes, ce qui ne se faisait jamais auparavant.

D’autre part, la pulsation est quasiment toujours binaire et rarement ternaire.

Il y a même plus.

Dans un rythme binaire, savoir deux temps ou quatre temps, il y a un temps fort et un temps faible, le premier étant ordonné au second comme l’élan au repos.

Dans le rock, il y a inversion. Les temps forts sont le deuxième et le quatrième temps, les temps faibles étant le premier et le troisième.

Si cela était fortuit et rare, cela n’aurait que peu d’incidence, mais répété sans cesse, cette dénaturation du rythme engendre une absence de repos et une excitation permanente.

Voilà pourquoi la mélodie et l’harmonie ne sont plus nécessaires.

Enfin, ce martèlement extrêmement fort peut avoir des répercussions perverses sur le corps.

Le cœur humain fonctionne par battement.

Il suffit alors de trouver son rythme puis d’augmenter celui de la musique pour exciter le cœur.

Les états de transe sont souvent obtenus par ce biais.

Et la personne devient dépossédée d’elle-même, ou possédée par ce faux rythme!

Conclusion
23. Nous arrivons ici à une conclusion qui s’impose et ne laisse place à aucun doute : l’émergence de la musique rock a accompli une véritable révolution.

Cette révolution n’est pas uniquement un contre-pied musical qui viendrait détruire uniquement l’art et la musique.

Il y a plus.

En raison du caractère public et politique de la musique (communication et action commune), les changements de paradigmes musicaux ont eu une répercussion très profonde sur la jeunesse et la société.

Parce que le son est dénaturé, artificiel et n’a plus rien de réel, cette musique peut bien être qualifiée de contre-nature et surtout de virtuelle, la drogue aidant…

Mélodie, harmonie et rythme ont aussi été tellement métamorphosés que l’on peut parler de révolution au sens le plus étymologique : l’inférieur a pris le dessus sur le supérieur, l’ordre musical a été renversé et aboli, laissant désormais la place à une musique pour ainsi dire irrationnelle, une musique barbare.

Et cette musique s’inscrit dans un substrat, le substrat de la « libération » des jeunes, qui s’en sont trouvés affranchis de toute contrainte politique, sociale et morale.

Toute cette jeunesse aujourd’hui fascinée par le rock trouverait plus d’avantages à revenir… au baroque !

Abbé Gabriel Billecocq

1. Nous tenons malheureusement de la philosophie kantienne la mauvaise habitude de juger catégoriquement dans l’ordre moral.

Les choses sont alors bonnes ou mauvaises parce qu’on nous l’a appris, parce que c’est comme cela et nous ne savons pas pourquoi.

Il y a là un volontarisme qui finit par tuer toute morale.

2. Car il est très certain que la véritable morale n’est pas un devoir pur, un commandement sans raison.

De même que la pratique des vertus théologales découle de la contemplation des vérités de foi, ainsi toute morale découle d’une intelligence qui connaît et ordonne les réalités de la vie.

C’est ainsi qu’Aristote définit la morale comme l’ordre que l’intelligence met dans ses propres actes.

C’est à partir de cette intelligence que les actes ou les œuvres reçoivent alors leur dénomination de bonté ou de malice.

3. Le sujet abordé ici concerne ce que l’on peut appeler du nom générique de rock.

C’est un sujet qui divise tant d’un point de vue moral que d’un point de vue esthétique.

Le but de notre propos n’est pas d’en déterminer la valeur morale. Il s’agit plutôt d’une étude guidée par l’intelligence et qui se veut objective.

La jeunesse actuelle en effet baigne dans le contexte de cette musique moderne.

Pour peu qu’un éducateur bien intentionné mais mal éclairé, déclare de but en blanc que ces musiques contemporaines sont mauvaises sans argumenter aucunement, il est certain que les jeunes gens qui entendront ces propos seront plutôt portés à lui désobéir…

La musique en général

4. La musique est un art bien particulier qui s’adresse à l’ouïe.

Si ce dernier sens n’est peut-être pas le plus important à la vie intellectuelle, il est cependant le sens de la vie politique.

Cette dernière repose en effet sur une certaine communication.

Nécessairement donc, la musique à une influence sociale et politique importante.

C’est la raison pour laquelle la musique sacrée fait partie intégrante de la liturgie et permet au culte d’être public.

Dans ses Politiques, Aristote traite longuement de la musique quand il parle d’éducation, en raison de la puissance morale qu’exerce cet art sur l’âme.

5. La musique est aussi un art dépouillé en ce sens qu’elle ne propose pas directement d’images visibles.

C’est plutôt l’auditeur qui se forgera une image à partir de ce qu’il entend.

Mais cette « absence » d’images fait que la musique touche plus directement les passions de l’âme.

En réalité, l’art d’Euterpe s’adresse au concupiscible et à l’irascible très facilement.

La musique est d’ailleurs l’art qui exprime le mieux les sentiments de l’âme, et celui qui en exprime le plus.

La tristesse ou la haine, la délectation ou même la terreur sont bien mieux exprimées par la musique que par une peinture.

6. Ajoutons que la musique est aussi un art de mouvement.

Autrement dit, l’œuvre musicale n’est pas figée comme l’est un tableau ou une sculpture.

Elle se développe dans le temps et appelle de ce fait un terme, qui devrait être un repos.

Le mouvement objectif d’une musique suscite alors les mouvements subjectifs des passions et peut bien s’achever sans que l’auditeur n’ait trouvé réellement le repos.

Au contraire, il peut en éprouver une certaine excitation intérieure qui peut même rejaillir sur le corps, tant il est vrai que l’homme est tout un.

7. Avec ces généralités sur la musique, on comprendra l’influence morale qu’elle peut apporter dans le quotidien de l’homme.

La vie sainte, c’est-à-dire la vie vertueuse, est une vie réglée où la raison et la grâce viennent tremper de leur ordination la sensibilité et plus précisément l’appétit sensible et le corps.

Or la musique, influençant directement les passions (l’appétit sensible), peut détruire cette harmonie de l’âme ou au contraire aider la vie vertueuse en apaisant la sensibilité pour la rendre docile aux appels de la grâce et de la raison.

Mais cela demande justement d’être lucide sur le genre de musique que l’on écoute.

Les débuts du rock

8. Le rock au sens large naît aux Etats-Unis dans les années 1940.

Il est la réunion de deux types de musiques propres à deux clans bien distincts.

Grossièrement la country est la musique des blancs et le blues celle des noirs.

La première fusion prendra le nom de rockabilly.

La chanson fondatrice est That’s All Right Mama d’Elvis Presley (en 1954).

Ce musicien sera par ailleurs appelé le roi du rock.

Une année plus tard (bien que la chanson soit plus ancienne) la parution de Rock around the Clock lance définitivement le style rock’n’roll.

9. Ce sont des musiques d’après-guerre. On y retrouve le désir de jouir de la vie, l’insouciance de la jeunesse, la pauvreté de la culture (Presley est chauffeur de poids lourds) et la volonté de faire tomber les barrières sociales.

Cette musique dessine donc un courant libertaire qui voudrait ôter toute contrainte sociale.

Par conséquent on y trouve aussi un esprit de revendication et de protestation contre le carcan moral.

Le genre est agressif et sensuel. On y trouve même des allusions parfois claires aux relations sexuelles.

Il est d’ailleurs remarquable que cette musique ne s’est pas imposée facilement. La société de l’époque aux Etats-Unis la jugeait trop indépendante, la qualifiant même de :

« musique du diable »
« aphrodisiaque dégoûtant »
« musique de nègre qui ramène à l’état sauvage »

10. Le nom même de rock’n’roll n’est pas sans innocence. Ce serait en argot une expression qui signifie danser, balancer, ou même faire l’amour.

Quoi qu’il en soit de cette signification, le verbe rock signifie rester stable, et le verbe roll veut dire rouler, tourner, évoluer sans à-coup.

C’est là la définition même de la révolution qui consiste d’une part à rester debout et d’autre part à avancer dans et contre la société.

Renaissance

11. Le départ d’Elvis Presley en 1958 pour le continent européen marque le déclin du rock aux Etats-Unis.

Mais le mouvement est lancé, et on assiste à une seconde naissance de ce genre musical en Europe et particulièrement en Angleterre.

Les années 1960 verront l’émergence d’une forme de rock dénommée pop qui signifie musique populaire.

Les deux groupes les plus célèbres sont les Beatles fondés en 1957 par John Lennon (1940-1980) et les Rolling Stone qui voient le jour en 1962 avec Mick Jagger (né en 1943).

Le succès est franc et rapide et la musique inondera très rapidement tout le continent.

Seule l’Europe de l’Est tente de combattre cette musique qu’elle qualifie de diabolique.

12. Le genre est plaisant, plus mélodieux, plus harmonique aussi, mais toujours agressif notamment à cause du rythme syncopé.

Le rythme ressort un peu plus encore avec des battements (appelés beat, terme qui signifie d’ailleurs plus que battement dans cette musique) répétés et l’émergence des graves qui deviennent plus fortes et plus obsédantes.

13. Les revendications sont plus que jamais les mêmes. Très vite, cette musique devient une industrie mondiale et libertaire.

Les messages sont politiques et sociaux, l’autorité est contestée.

Les spécialistes relèvent aussi des messages appelés (à tort) subliminaux ou plus exactement des messages diaboliques que l’on peut entendre lorsqu’on fait tourner le disque à l’envers ou parfois simplement en accélérant ou ralentissant la musique.

Les références au sexe et à la drogue se multiplient.

La musique s’impose de plus en plus dans le cinéma, les bandes dessinées et petit à petit en musique de fond dans certains magasins.

En même temps qu’elle devient omniprésente, cette nouvelle musique exerce une véritable attraction sur les nouvelles générations.

14. Cet engouement de la jeunesse est particulièrement suscité par le célèbre Jimi Hendrix (1942-1970).

D’ascendance afro-américaine, Johnny Allen que son père « rebaptisera » James Marshall, avant que lui-même ne se nomme Jimmy puis Jimi Hendrix, fait des débuts encore peu remarqué aux Etats-Unis.

Il perce seulement à partir de 1966 lorsqu’il vient au Royaume-Uni puisqu’il éclipse le célèbre guitariste de l’époque, Eric Clapton.

Il retourne l’année suivante aux Etats-Unis et enchante les foules par ses albums dont le plus célèbre est sans conteste Are you experienced ?

Il meurt trois ans plus tard, mais ses dernières années n’ont été que succès.

On le dit parfois fondateur du hard rock.

15. En parallèle et dans le même mouvement naît aux Etats-Unis le festival de Woodstock.

Ce regroupement de jeunes et de divers groupes rock prône le rejet de tout ce qui est ancien et traditionnel.

On les appelle aussi les hippies.

Leurs rassemblements banalisent l’usage de drogues dures (LSD, champignons hallucinogènes, etc) dans une optique ésotérique.

16. Une autre tendance apparaît aussi en contre-courant du mouvement hippie : c’est le rock psychédélique.

Devenu célèbre grâce aux Pink Floyd, il est influencé par la prise de psychotropes dont le LSD et se veut une contre-culture.

Avec eux, les morceaux deviennent plus longs tout en restant monotones, afin de favoriser les expériences hallucinogènes.

C’est dans un groupe psychédélique (Hawkwind) que Lemmy Kilmister (1945-2015) a débuté sa carrière et son addiction à la drogue.

17. Dans les années 1970-80 le rock prend un tournant et devient encore plus agressif.

C’est l’émergence du hard rock et du métal.

Le refus de toute soumission est toujours le sous-bassement de ces musiques.

Elles sont au service de l’indépendance de la jeunesse et excitent à la rébellion.

Le satanisme devient prédominant.

En 1981 le groupe Venom sort son premier album (Welcome to Hell) considéré comme le premier album de black metal.

Le groupe Iron Maiden a essuyé plusieurs refus de se produire de la part des autorités du Chili : leur tournée visait à promouvoir leur troisième album intitulé The Number of the Beast.

À cause de cette interdiction et avec eux, l’occultisme deviendra plus fin et moins explicite (plus « intelligent »…) :

sur l’album suivant, le morceau Revelations est clairement inspiré par le célèbre occultiste Aleister Crowley (1875-1947), tout comme l’intégralité de leur septième album.

Des vies peu édifiantes

18. Par ailleurs, et même si l’argument est purement extrinsèque, la vie des rockeurs et le mouvement qu’ils engendrent n’ont rien d’édifiant.

La plupart d’entre eux affiche une dépendance vis-à-vis de la drogue.

John Lennon se déclarera ouvertement contre le christianisme dans lequel il avait pourtant été éduqué.

Pour beaucoup, les tendances sont à la tristesse, au suicide et la drogue est souvent le moyen de contrecarrer ces états d’âme.

Jimi Hendrix meurt en 1970 d’une surdose d’alcool et de médicaments dit-on.

Elvis Presley aurait été retrouvé mort en 1977 après être tombé du siège de ses toilettes.

19. La question se pose toujours de l’affiliation à Satan, d’un culte diabolique ou d’une consécration à Lucifer par laquelle ces « artistes » auraient vendu leur âme au démon.

On le dit de Robert Johnson (1911-1938), de Jimi Hendrix ou encore de Michael Jackson (1958-2009).

Les preuves sont difficiles à trouver.

Cependant dans une des biographies d’Elvis intitulée If I Can Dream : Elvis’ Own Story, Larry Geller écrit que le célèbre chanteur a lui-même reconnu qu’il recevait l’aide du monde des esprits.

Selon Geller, qui était le conseiller spirituel d’Elvis, Presley transportait toujours avec lui des livres quand il voyageait.

Parmi ses ouvrages favoris il y avait Isis Dévoilée de la théosophe Helena Blavatsky, Autobiographie d’un Yogi de Paramahansa Yogananda, L’Enseignement Secret de Tous les Âges par le franc-maçon Manly P. Hall, Guérison Ésotérique d’Alice Bailey.

Elvis Presley était donc un new-age de la première heure, un adepte convaincu de la théosophe Blavatsky, qui publiait à une certaine époque la revue Lucifer.

Elvis a admis lui-même :

« J’ai toujours senti une main invisible derrière moi. »

Il déclarait que sa mission était d’utiliser son nom et son influence pour initier les gens au monde spirituel par lequel il était utilisé.

Il disait que cette « Voix » l’utilisait comme un « canal » pour toucher des millions de gens à travers le « langage universel de la musique ».

D’après Gary Herman, l’auteur de Rock and Roll Babylon (2002), Elvis lui-même a :

« reconnu qu’il y avait une part diabolique dans son succès ».

On peut citer aussi le guitariste du groupe The Devil’s Blood aux Pays-Bas qui répétait sans cesse que ce n’était pas lui qui écrivait la musique, qu’il n’était qu’un vecteur et que le compositeur était le diable lui-même.

Il a fini par se suicider.

20. Si la vie des « artistes » n’est pas édifiante, l’influence exercée sur l’auditoire n’est pas neutre.

Les concerts engendrent une véritable hystérie des foules (des témoignages diront que les auditeurs de Beatles s’urinaient dessus et que l’odeur des salles était écœurante).

Fait notable, en 1984, le groupe Iron Maiden joue du Heavy Metal pour la première fois derrière le rideau de fer.

Le succès en Pologne est phénoménal au point que certains policiers ont jeté leurs casquettes en l’air et se sont joints à l’hystérie collective, abandonnant leur rôle de gardien de l’ordre.

Ces rassemblements créent des modes vestimentaires, preuve de l’influence sociale et politique de la musique.

Pour conclure

21. L’histoire de ce vaste mouvement est éloquente.

On veut souvent opposer le premier rock qui semble aimable et inoffensif au rock des années 80 et au-delà, qualifié de bien plus dur et plus offensif.

Cette opposition n’est pas essentielle. Elle est purement accidentelle.

L’ensemble même de toute cette musique est un mouvement unique dont le but ultime est la perversion de la jeunesse, l’invitation à la rébellion permanente et finalement l’abolition du christianisme.

Loin d’édifier l’homme dans ce qui fait sa noblesse, savoir l’intelligence et la vertu, le rock’n’roll est une contre-culture destructrice non seulement de l’homme, de son intelligence et de sa vertu, mais aussi, et c’est bien plus grave, de sa vie sociale.

22. Cet aperçu sommaire n’est cependant pas encore suffisant pour comprendre la nocivité de ce genre musical moderne et contemporain.

Il nous faut maintenant l’étudier sous son aspect technique de musique.

Abbé Gabriel Billecocq